Dar al ARTE lo que es del ARTE.

LA CAPILLA DEL ARTE.
Divino Arte que estás en los cielos.


Arte, corazón, esfuerzo, razón, 2015.
(a Serena)
MARÍA J. GORDILLO

Esta entrada está dedicada a la fascinación por el ARTE. Bajo cualquier forma, debemos dar al ARTE lo que es del ARTE. Exponemos a algunos de los artistas que estuvieron al servicio del pincel y de la expresión. ¿Qué pensamientos tiene la mano del que ejecuta la obra? Imaginemos, y déjate sorprender.
El Jarrón Rosetta, 1960.
GRAYSON PERRY.
Se trata de un jarrón esmaltado en amarillo. En el centro de la composición crece un árbol con un rótulo que expone “La Institución”. De sus ramas salen ricas inscripciones como “Museo como Catedral” o “Culto al Arte moderno”. En el lado opuesto de la obra podemos advertir la figura de un niño “El Artista”. Grayson Perry posee una personalidad muy particular, tanto que cuando admiramos su obra pueden surgir percepciones que tras un análisis simple, constatamos como erradas. Lo que más me sorprendió al estudiar sus creaciones fue encontrar material fotográfico en el que aparece su “alter ego” versión femenina. Claramente rompedor, ya que debemos tener en cuenta el contexto en el que se desarrolló su trabajo. Siempre me ha fascinado el empleo de la cerámica en el ARTE. Desde los mitos bíblicos “La creación de Adán” pasando la cerámica popular siciliana (y souvenir “internacional” en forma de azulejo) terminando con la última exposición de Raquel Eidem empleándola en complementos en Verde Moscú.
Sin Titulo (Amantes Perfectos), 1991.
FÉLIX GONZALEZ-TORRES
Lo primero que llama la atención son los relojes idénticos y señalando la misma hora. Esta obra es dinámica, inicialmente ambos funcionan sincronizados pero con el paso de los días la pierden. El artista cubano quiere poner de manifiesto la temporalidad de las relaciones humanas, del amor. El color azul del fondo hace referencia a la dulzura de los recuerdos (donde hubo sincronía…). Y toda la reflexión la hace con objetos de la vida cotidiana. Si bien es cierto que “Cronos” aparece en Dalí e incluso en el Renacimiento con el “Tempus Fugit” este nuevo juego es la adaptación a nuestro siglo.
Quizás estemos rodeados de elementos que nos invitan a meditar en cuestiones elementales para toda persona. La conexión con esta obra es súbita y atractiva, quizás porque el empleo de relojes corrientes nos invita a una reflexión general (de lejos y sin dolencia) del amor y la pérdida
Recuerdo que hace días tuve un pensamiento similar cuando miraba la taza del té. Sin el calor de las manos se enfría más rápido. Si transcurre demasiado tiempo estará helado, habré dejado pasar el momento. Antes la quería ahora no la tomaré, deseos, expectativas y momentos (Reflexiones 06:00 A.M.).
Jule – La Mujer, 1985.
MARLENE DUMAS
Al estilo de los pintores fauvistas del siglo XX, aparece Marlene A Dumas. El color rojo volcánico domina la composición. Hasta que aparecen unos ojos y unos labios completamente definidos en contraposición con el contorno de la cara que se desvanece en una atmósfera de sensualidad. La mirada es clara y fija al espectador. Los dedos se acercan provocativamente a la boca. Nos acabamos de sumergir en una creación feminista y profunda, ¡estamos dentro!. Y es tan evocador lo que nos despierta que sin saber describir completamente la sensación queremos permanecer en ella. El magnetismo es fuerte y se condensa en la profundidad de la mirada de la figura. Porque la forma de acceder al observador es elegante y sutil ¿cómo has entrado?. Marlene A Dumas es considerada “expresionista intelectual”. Realmente está desposeída de uno de los rasgos característicos del movimiento expresionista; la perdida del sexo de la figura (recordemos “El Grito” de E. Munch, uno de los padres del Expresionismo. La figura es asexuada y emite un profundo sentimiento agónico. No podríamos saber si es hombre o mujer, solo somos conscientes de su angustia). Al contrario, estamos ante la exaltación de los rasgos femeninos. Cada día aprendemos un poco más y adoramos el fuego que despierta el ARTE. Todos ardemos por dentro.


Pasteles surtidos, 1981.
WAYNE THIEBAUD
Pop estadounidense, con colores fuertes que aportan sensación de falsedad a los pasteles. Repite el parámetro una y otra vez, como si estuvieran de venta al público. Se trata de la fase inicial del trabajo de este artista. Actualmente diseña paisajes urbanos y cosmopolitas. Precisamente por ello ha sido elegido para cerrar esta exposición. El ARTE cambia, muta y nunca permanece invariable. Si bien un lienzo no varia por si solo si lo hacen los ojos del observador. Son rupturas totales que muestran aspectos de la vida cotidiana, como el abuso de grasas saturadas norteamericano, la apetencia o la sobre exposición de un mismo elemento. Bollería industrial, cafeterías amontonadas y repletas de personas. ¿Hay siempre un trasfondo en la pintura? para reflexionar…
LIBROS MUY RECOMENDABLES: 

Painting beyond Pollock, Morgan Falconer, Londres, Phaidon, 2015. 
Fotoinspiración Macrofotográfica. 1x. com, Madrid, Anaya, 2015.
Diccionario visual de términos de Arte, Lorenzo de la Plaza Escudero, Adoración Morales Gómez, José María Martínez Murillo, Madrid, Cátedra, 2015.
                               

IL CARMINIO

Source: Original

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