COCCO, en tres pasos.

COCCO

Queridos lectores han pasado unas semanas desde la última publicación de este espacio. Y la razón es un nuevo proyecto: COCCO. Vamos a desgranarlo. 

A lo largo de la Historia del Arte reconocidos personajes han abogado por la red de canales atravesados por la Música y la Pintura. 

COCCO es una nueva aproximación al arte. Proyecto que aúna visiones musicales e impresiones pictóricas, inspirado en las vorágines compositivas vanguardistas. Atanasius Kircher, Leonardo Schüler, Bernardo Luini, Giuseppe Arcimboldo o Frederick Kartner entre los más brillantes y aventajados. Incluso podríamos remontarnos a épocas no tan recientes en las que Aristóteles y Pitágoras diseñaban el esquema bidimensional formado por las armonías del color. Un ejemplo perfecto del atractivo de esta unicidad en nuestros tiempos fueron los conciertos organizados por Radio 3, en los que se puso música al Museo Reina Sofía.

Pero ¡poner Música a Obras de Arte no es SIMBIOSIS artística!; hablemos del proceso.

Vibraciones y colores, textura y violencia son dos caras de una misma moneda.  Tanto la pieza musical como la pictórica son elaboradas a un mismo tiempo, en un mismo espacio y por escalas preestablecidas. Acordes – colores asignados, melodía – formas y siempre la EXPRESIÓN como vuelta de tuerca a la base ya dada por nuestros antecesores. Los ojos escuchan y los oídos ven.




El arte actúa sobre la sensibilidad y sólo puede actuar a través de ella. Todos los canales que van hacia ésta transcurren de la misma manera. La música y la pintura buscan la una en la otra la fuente de inspiración emocional que les permita desarrollarse para llegar juntas a un único vértice.

En COCCO música y pintura se desarrollan en paralelo formando una serie de obras, cada una de ellas única y completa, donde ambas composiciones se unen en una sola.  

SÍGUENOS PARA NO PERDERTE NADA EN: 

Música: Javier Casanueva Martos.
Pintura: María José Gordillo Giráldez.

Facebook: COCCO
Instagram: @cocco.arte

IL CARMINIO


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EL BOSCO, ALEX P. Y LA GRAN VÍA DE MADRID.

Cuando las reuniones y las aspiraciones alcanzan la cima apocalíptica, por Alex P.
Triptico, El Jadín de las Delicias por El Bosco.
Museo del Prado, Madrid.
Nota mental, Alex P.
“No dar de beber a los demás”.
12:45 h.

Los medios de transportes son detestables en ciudades grandes. El trasiego de gente es continuo. Al salir de aquella oficina, Alex P. cargó con su pretensión de vuelta a casa. Promociones, eventos, conciertos y nada. Porque al final es nada. Con el tiempo se piensa tanto que las cosas se descomponen en un sinsentido. El circulo viciado de una ecuación diseñada para no ser resuelta nunca. Estalactitas y estalagmitas, pros y contras; nada. Y lo negro se expande en forma de apatía porque el momento no llega. El estallido final sordo otra vez y él absorto. Caminaba en fase acechado por el enemigo que vive dentro. Atraído por lo incomprensible para muchos, tiró de complejidad mental hasta el cruce por la larga avenida. Una estampida de personas anhelaban el paso a la otra orilla. ¿Y el barquero? 

Las nubes se movían con suavidad haciendo que todo adquiriera un dinamismo bien representado. En el suelo una distracción venida del horror interno del mundo; entrada caducada al Museo del Prado, El Bosco
“Puedes recortar cualquier cosa
 desde dentro
y asustar a los de afuera,
 que simularán
no conocerla”.

Alex P. sincronizó realidad y fobia. Esperpénticas fuentes fálicas adornaban la Gran Vía. Madrid estaba poblada por seres sin piedad. Algunos de ellos de formas despreciables se retorcían sin ocultar su delirio. Un personaje encadenado asomaba por la calle de Hortaleza. Su expresión era dulce, antes de matarte o condenarte ardientemente te dará un caramelo. 

Una pandilla un tanto rara se acerca, un moribundo sostiene una vela mientras la Muerte lo sigue atentamente con su mirada desde la otra acera. A ambos lados se ven reflejados en el escaparate un demoníaco ser y otro de apariencia “so cute“. Quieren algo para coleccionar entre los buenos o entre los malos.
A toda prisa de la calle del Valverde corre un hombrecillo rapado y decrépito. Tiene golpes en la cabeza de los cuales crecen plantas de un color artificial. Quiere poseer a su concubina.

Cause I’m a bad habit
One you cannot shake
And I hope that I change
Don’t follow me
Don’t follow me”
Bad Habit, Foals.
Fresas y madroños adornan el Teatro de la Luz. De fondo; muchos coches pitaban enfurecidos, algo obstruía la calle. En una esfera de cristal dos amantes encerrados gritan: –¡La felicidad es como el vidrio, se rompe pronto!-.
Ante Alex P. desfilan adolescentes con las orejas llenas de alfileres que no quieren escuchar nada, ¡No hay salvación! Nadie ha llamado a la policía.
Sonidos del subsuelo hacen temblar la calzada. Dentro del hombre- árbol hay figuras similares a los rr.pp. – ¡Sube mi amor, no hay nadie dentro! ¡Sube mi amor, sube a mi cerebro! ¡Trepa por mi esqueleto!-.



Alex P. cerró los ojos y al abrirlos una taladradora perforó sus tímpanos. Todo había terminado, la locura siempre es transitoria”.


Con motivo del V centenario de la muerte de Jeronimus van Aeken, “El Bosco”, el Museo del Prado presenta una exposición del artista. Ocho pinturas que reunidas mezclan cordura y locura a partes iguales de una forma  magistral. El gran enigma del Renacimiento que ha reunido a los mejores expertos en la temática en todo un desafío analítico y expositivo.

IL CARMINIO.


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Patrizia Serra, SPAZIOTEMPORANEO y yo.

Dentro de Milán.
Sin duda la zona que concentra más galerías es Brera. Lumínicos escaparates desafían la oscuridad del día. Camino por la vía Solferino, intento encontrar el número 56 dónde se ubica la siguiente galería en mi lista. Las aceras están tan húmedas que puedo ver mi reflejo. Al fondo SPAZIOTEMPORANEO. En este momento son las 20.00 horas, tengo los pies llenos de ampollas y las manos tan frías que no puedo pasar las hojas. Y sin embargo aún no es suficiente. ¿Qué entiendo por suficiencia?.

Medicina por María José Gordillo, 2016.
Acrílico sobre lienzo.
Idea surgida observando la quietud de la calle mientras el cielo se mueve. Todo es errante.
Veo, veo ¿Qué, qué ves?
Al pasar el umbral de la puerta unos enormes ojos grises me saludan. Patrizia Serra extendía una de sus manos para entregarme el Catalogo de la mostra de Shuzo Azuchi Gulliver, autor de las obras en Sala. 
Bajo una apariencia sencilla una selva llena de posibles interpretaciones. En la medida de lo posible controlé la expresión de mi cara hasta que finalmente el cansancio ganó. Entonces caminé hacia el rincón donde ella sentada repasaba notas. Utilizando todas las formulas de cortesía posibles me senté en frente y entoné la pregunta. Espero, pausa, entono el “no, no, no” y… Una domanda que después de haber visitado tantos espacios subía por mi garganta y me quemaba en los labios. ¿Qué (entienden aquí) es el Arte? 

*El Ciclope por Redon hacía 1900
Óleo sobre tabla
Rijksmuseum Kröller-Müller
Experimenté un alivio instantáneo. Minuto de silencio para el medio millón de voces internas. Pero al despedir esa carga topé con una sensación angustiosa; la necesidad implícita de una respuesta. No era una cuestión retórica porque de la misma forma que ganaba conocimiento en esas visitas perdían fuerza mis pilares barrocos. Patrizia abrió los ojos con sorpresa y con aire sonriente contestó: “No debes buscar una definición. Es una torpeza por tu parte y al mismo tiempo una virtud de tus años.  El artista se expresa libre en su taller y en ese espacio se aproxima a la plenitud que no es otra cosa que la creación. Por ello el Arte cambia, estilos y periodos pictóricos se suceden pero esa relación permanece perenne”. Mi traducción; por incomprensible que parezca lo que tengo delante, números y trazos, es la reacción que todo ello ha producido en el artista. 
Este encuentro se produjo entre dos lenguas, italiano y español nivel elevado por tanto ha sido necesaria la adecuación del texto original.

“Fuera del entorno el artista no respira..”

Entendí su gesto, la energía con la que hablaba y su semblante. Estaba siendo la conversación más surrealista del mundo, -¡algo de vida!- pensé. Por un segundo mi cabeza se insonorizó mientras sus manos diseñaban las explicaciones en el aire. El cíclope despertó y comenzó a explorar el entorno *.  Seguía enlazando ideas, decía que “el artista desarrolla un idioma, un diálogo entre su cuerpo y su mente. Y la mano desvela a la persona. Por ello, fuera de ese entorno el artista no respira”. Para sentenciar que todo eso incluye la apatía por los ordenadores y otros medios informáticos.


“Café, metro, Porta Romana, Duomo…  El viaje fue un intervalo de caras y líneas rojas, verdes y amarillas. Me había dicho mentalmente “Despiértame cuando lleguemos”. Abrí los ojos delante de la fachada del Palazzo Reale. Caminaba con determinación hasta el mostrador pensando las palabras y su pronunciación correcta. 
¿Cómo un especio público puede convertirse en el lugar más íntimo en cuestión de minutos? Una simple cortina me separaba del nunca mejor llamado mundianal ruido. Me perdí en los pasillos, sin orden y rodeada de simbolismo”.

Todos hablan de genialidad, no les interesa el proceso, las intoxicaciones por pintura a ventana abierta o la lucha constante con el “esto no”. 
La opresión en cánones que no terminaba de entender minaba mis ideas, en cualquier momento ¡guerra!. “En ese empeño el artista huye de los espacios acotados ¿qué hacer? activar la acción de salida. Frida Kalho emprendió la huida del seno familiar de la única forma aceptable en su tiempo: el matrimonio. Necesitaba ese mal menor. Picasso en cambio cambió de país liberando las ideas propias de una cultura no apta para el cubismo”. ¿Te compensa? Deje fluir todo aquello que me empujaba lejos de mi recomendado epicentro. Ahí estaba expuesto de una forma clara, no había perdido la cabeza. Patrizia continuaba hablando en un italiano relajado que me permitía parpadear. No dije nada, solo escuchaba. Desde los primeros garabatos hasta este mismo instante has desarrollado un idioma propio, exclamó”.
Fin momentáneo de las negras horas.


IL CARMINIO



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Edición especial: Carta al Lector

Carta al Lector

El próximo día uno de Abril se conocerán los resultados de los Premios 20 Blogs del Periódico 20 Minutos. Es por ello que aprovechando la ocasión, decidimos escribir una breve reseña. Hemos superado los siete mil lectores desde su creación hace poco más de un año. Un espacio de cultura y tendencias que versa sobre el arte ha conseguido partir desde Sevilla hasta Milán. También ha participado en otras publicaciones, experimentando incluso en la radio (véase la barra de la derecha). Y todo ello obedece a una sola razón, dar a la cultura y a las Bellas Artes un espacio justo.

“Quiero escribir de nuestro amor, quiero amarte escribiendo, tomarte escribiendo”. 

Italo Calvino.

Cuestión interesante, los seguidores. Después de conocer la obra de Yux ¿podemos extrapolar este fenómeno a Cervantes, Shakespeare, Pucini o Pollock? Nos entusiasma el número lectores como indicativo automático del interés que genera la publicación. Nosotros decidimos sobre los parámetros de valoración. Siguiendo el planteamiento de Ortega y Gasset, para tener seguidores hay mostrar aptitudes. Por ello, haciendo nuestras las palabras que Italo Calvino dedicaría a Elsa de Giorgi; queremos escribir de este amor por el Arte, queremos amarlo de forma escrita y conquistar con el empeño de la palabra

“Es muy difícil que la persona que se pone a escribir no sienta, dese o no cuenta clara de ello, prurito de hacerlo bien, de escribir bien. Y si lo logra, la pena que le aguarda ya sabemos cuál es: la caída de Ícaro, de los cielos limpios – de lo privado- a las aguas dudosas – la publicidad”. 

Salinas.

De esta forma entendemos el fenómeno al que antes hacíamos alusión. Con profundo respeto al transito de los cielos limpios a las aguas dudosas, del espacio compositivo a la exposición y juicio de lector. Y con este mismo espíritu anhelamos seguir creciendo.



¡Gracias por todos vuestros mensajes!

IL CARMINIO





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M I L A N O: G I O R N O U N O

DÍA UNO:

 Introducción, descripción de personajes y escenografía.

“Il tuo cuore è libero,
abbi il coraggio di seguirlo.”

Momenti Caffè Diemme.
Sobrecillo de azúcar,
 primer café delante de la Facultad de Derecho, Milano.

Las grandes aventuras requieren fotografías mentales que retengan todo lo que merezca la pena ser recordado. Para ello llevamos encima y en todo momento un cuaderno de viaje y a través de esas líneas os contamos todo.

TOTUS TUUS, por Pier Luca Bencini
Acrílico sobre tela, 100×60 cm.
Galería Pisacane, Milano.

Todos los aeropuertos son iguales, grandes o pequeños. Las personas esperan, desesperan y hacen colas delante de los mostradores de las compañías aéreas. Cuántas historias… 
Un grupo de colegiales italianos reía delante de mí. Sus caras rojas y redondas no paraban de mirar la enorme carpeta que me acompañaba. Lo más importante de este viaje contiene el idioma que me he inventado

Debía observar las posibles reacciones adversas en personas desconocidas, en otra lengua y con roles distintos. Ello, en galerías de una ciudad tan importante como Milán, una selva de edificios ordenados por Pollock que escondía impresiones diseñadas por El Bosco a ritmo de Tame Impala. Más fuego para seguir trabajando, pensaba… Todo lo que creía saber sobre esta città formaba parte ahora del eslogan publicitario de un recuerdo alimentado por la espera de un año. Cuando lo tuve claro empezó a contar el tiempo. 

Galería Pisacane, Inauguración exposición de Yux.
Yux toma imágenes de personajes famosos y de la historia del arte introduciendo elementos coetáneos con una paleta de colores fuertes e intensos. Entre la caricatura y la ironía da máximo protagonismo a la línea e incluye palabras que informan directamente al espectador sobre sus aseveraciones. Aparecen redes sociales como facebook y expresiones mundanas en rostros por todos bien conocidos.

Cuando el avión llegó a cielos lombardos no pudo aterrizar por el fuerte viento. Mirando la ventanilla más cercana recuerdo que pensé que los efectos de las películas de sobremesa no estaban mal conseguidos. Se parecían bastante. Una extraña sensación de seguridad me invadió al rozar con los dedos mi carpeta. Apreté los labios y cerré los ojos. Ante mí aparecieron imágenes de noches de trabajo, de enfados inoportunos delante de los bocetos, de borrones y de esos segundos en los que crear es sinónimo de volar.

Lluvia, luces y operarios, ¡listo, ya estamos!. Hace un año todo parecía igual, pasé a la siguiente escena dejando congelada la secuencia. Aparecía un gran título en neón rojo: ON AIR. Mi ropa empezó a aumentar de tamaño, me quedé dentro y no dije nada.
Carretera, coches, noche, más luces, rótulos en italiano, Bergamo, Lecco, Milano se sucedían.”

GIORNO UNO.

Punto de partida.


El amor y los nervios viven en el espacio entre los hombros. La posición siempre es pendular y deben disfrutarse de manera intensa esos segundos en los que el péndulo descansa en el centro. Ahí está la expresión. Cada artista articula su modo particular de exteriorizarlo y a su manera es completamente sincero con el pincel y el lienzo. Antes de la escritura, pittura…

Primera gran lección: Galleria Pisacane.

Y luego existe la óptica reeducada del espectador, el valor monetario del arte y la búsqueda del impacto. Así las galerías de alto nivel no solo aseguran sus beneficios futuros sino que potencian de manera clara el ascenso o descenso de la producción artística. Por ello muchos pintores seducidos por el arte comercial abandonan el péndulo creativo. No hablamos de gustos sino de algo mucho más inmediato: la propia descripción de la obra. Ésta normalmente acompañada de algún comentario de corte escenificado que deja entrever la excentricidad del autor. ¡Bravo! Ante eso tuve que sobreponerme rápido. La formula incluía la asunción rápida de sus valores y el silencio contemplativo de los míos. Rodeada por obras de Picasso, Dalí, Goya y Miró valía la pena. 

Roberto Ungaro
Propietario de Pisacane Arte
.

La española entra en el archivo de la galería y tiene la suerte de conocer en ese mismo instante al dueño. Al Señor Roberto Ungaro que muy gentilmente extiende su mano derecha. Al cual entrego uno de mis dibujos instantes después, quedando maravillada por esta gran primera lección. El pintor trabaja y su medio es el taller. En cambio, el galerista comercia y analiza las posibilidades en el mercado. En esa franja que los separa existe un mar ilimitado de incomprensión. El uno no entiende al otro, aunque se relacionan en esferas separadas. Pues bien, justamente ahí estaba yo. 

Esta fue mi primera expedición antes de contactar con Mostrami. Tomé notas del terreno, de sus gentes y de la flora que lo rodeaba… Al salir de cada galería buscaba un banco, una cafetería y a veces incluso caminando anotaba todo en mi cuaderno para analizarlo y mejorar la prueba del día siguiente. Pensaba; <si quieres caminar como un milanes debes alimentarte como uno más> de todo cuando veo. Ser el primero, parecer fuerte y andar rápido, más rápido.

Estaba aprendiendo, iluminando zonas que antes no podía ver de forma nítida. Aún queda mucho por contar y estamos deseando hacerlo.


IL CARMINIO
Milano




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MILANO È SEMPRE MILANO


Después de estás semanas la espera para la siguiente entrada merecía la pena. Traemos tres importantes novedades. 

La primera de ellas ha sido nuestra participación en un proyecto expositivo para un espacio ubicado en Morón de la Frontera (Sevilla). Esta localidad mediante Proyect Art 16 busca incentivar la producción artísticas en los jóvenes. Dicha iniciativa cuenta con un espacio emblemático para todos aquellos proyectos que sean aptos. Se trata de una sala junto al Convento de Santa Clara. Imaginad, contar con la especial magnitud que toma la contemplación en esos muros para exponer obras. Para llegar a tiempo con la entrega de nuestro plan contamos colaboramos con un gran escultor y artista. Daniel Rubio Rebollo ha demostrado tener unas cualidades sobresalientes para modelar la dulzura en la mujer. Juntos dimos forma a “Donna“. Nuestra apuesta parte de la dualidad cartesiana entre el cuerpo y el alma. Por una parte tenemos la rotundidad de los materiales para ajustar la idea del cuerpo a la escultura. Y la pintura libera la mente, la psique con la abstracción que persigue. Al final de dos disciplinas artísticas diferenciadas nos aproximamos a la mujer y a la esfera que durante siglos la ha acompañado. Desde las primeras manifestaciones del arte por los seres humanos sería retratada acompañada de especiales simbolismos hasta la actualidad. Unimos sensibilidades y cruzamos los dedos para formar parte del catálogo de este certamen. Os contaremos cada detalle.

Venere Tattoo por Yux, retouchè, 46×32 cm

La siguiente es nuestro inminente viaje a Milán. Como ya sabéis formamos parte del plantel de artistas de Mostrami pero no por ello debemos conformarnos. El dinamismo en la vida artística lo envuelve todo y si deseamos conocer los últimos términos del mismo debemos apurar todas las posibilidades. Por ello partimos con un listado de 24 galerías emblemáticas que visitar para una primera toma de contacto con ámbito que también forma parte de la vida artística. Pensemos por ejemplo en el fondo de conservan muchas de ellas y que al mismo tiempo nos muestran las últimas corrientes predominantes a nivel europeo. 
En este punto debemos hacer una reflexión. Para entender una sociedad debemos analizar la corriente dominante. A veces estará cerca de nuestros propios gustos y en otras ocasiones nos resultará chocante. No obstante es un camino del todo enriquecedor. Un ejemplo de ello es la Galleria Pisacane en Milán. Como adelanto no solo vimos obras por todos conocidas, Dalí, Picasso, Goya, WarholTuvimos un primer acercamiento a la obra de Yux. Este artista versiona imágenes icónicas de la Historia del Arte o de personajes famosos, introduciendo elementos irónicos así como juegos de palabras. Hemos de hacer una importante aclaración. En no pocas exposiciones hemos visto este mismo proceso. El autor interioriza la obra clásica y después al exteriorizar su percepción utiliza la exageración del color, el pixelado, incluyendo elementos de creación propia. Per esempio, los peces de distinto tamaño y color. O la introducción de palabras y letras. ¿Qué subyace en el fondo? Cosas en las que pensar, qué duda cabe. Uno de los objetivos fundamentales era hacer una fotografía del panorama compositivo e internacional en una ciudad perfecta para ello porque Milano sempre è Milano. Desde luego siempre nos quedará Arco en Madrid para dilucidar cuestiones similares, pero pronto comprenderéis la importancia de elegir un destino como la ciudad lombarda. Disfrutad con nosotros de las próximas entregas, para todos los amantes y curiosos del arte. 

Encontraréis un listado de 24 galerías, 12 visitas in situ, dos visitas a grandes exposiciones sobre el Simbolismo en el Palazzo Reale y una muy esperada sobre Canova en la Galleria D´Italia junto a la emblemática Scala de Milán. Esta última será mostrada a través de los dibujos del cuaderno de viaje que siempre nos acompaña.

Terrazza Aperol, frente al Duomo. Único día de Sol.
(Milán)


La tercera y última noticia importante. Existen todo tipo de publicaciones, criticas de arte, manuscritos sobre el mismo, recopilaciones de etapas pero no existe algo que para nosotros es vital. Que de la interacción del Arte y el artista surja un libro que se plantee cuestiones que todos hemos tenido en un Museo. Podemos acercar el arte a más personas pero a nuestra manera. 

Se trata de un proyecto de un año de duración donde incluiremos relatos cortos, referencias a otros artistas y campos del Arte así como la repercusión y reacción en el narrador. Tenemos 5.000 lectores anuales que nos avalan y un camino donde imaginar y plasmar todo lo que defendemos. ¡Cultura viva y muy inquieta!



IL CARMINIO

Edición Milán.



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ESPECIAL FEBRERO, EL AMOR, PLATÓN Y LOS ROMÁNTICOS.

Una de las parejas más famosas del mundo fue la formada por Yoko Ono y John Lennon. En blanco y negro como las películas de Yoko esbozo en la azotea de mi casa a la diosa del amor mirando al frente. Era la única forma que tengo de hablaros sin palabras y de una forma especial.

Utilizamos como pretexto el día de los enamorados para adentrarnos en el mito. Para comprender porque este sentimiento o la ausencia de él ha activado el motor de la creación en todos los tiempos del ARTE. Esa sensación de estar incompletos, continuamente insatisfechos con el continuo anhelo en los labios. ¿A qué se debe? Platón en su obra “El Banquete” nos habla de un ser compuesto por hombre y mujer. Cuatro piernas, cuatro brazos y dos cabezas. Resultaba imposible sorprenderlo o abatirlo, en la unión radicaba su fuerza.”Los cuerpos eran robustos y vigorosos y de corazón animoso, y por esto concibieron la atrevida idea de escalar el cielo, y combatir con los dioses. Zeus examinó con los dioses el partido que debía tomarse – ¡Creo haber encontrado un medio de conservar los hombres y hacerlos más prudentes, y consiste en disminuir sus fuerzas.” 
¿Qué fue lo que hizo? Separarlos, dividirlos y en dos mitades. 
Hecha esta división cada mitad hacía esfuerzos desesperados para encontrar la otra mitad de que había sido separada; y cuando se encontraban ambas, se abrazaban y se unían, llevadas por el deseo de su antigua unidad, con un ardor tal, que abrazadas perecían de hambre e inacción, no queriendo hacer nada la una sin la otra“.
La imposibilidad de unirse a la otra parte fue la nota máxima del romanticismo en todas las disciplinas del Arte. Siempre he pensado que estas emociones suenan a Wagner, a su ópera Tristán e Isolda. Ese preludio maravilloso contiene una fuerza vibrante inmensa y verdadera. Será que Wagner la compuso enamorado de Matilde Wesendonck. Música a un amor desesperado e imposible.

El Arte es el alivio y sí,  otro mundo que nos complementa. Si abres los ojos las pinceladas revelan la sensibilidad de personas que con sus obras llenaron de perspectivas el mundo. Hagamos un romántico paseo por el arte del siglo XIX. 
IDEAS PREVIAS

La Revolución supone el punto culminante de las transformaciones en Europa en el último cuarto del siglo XVIII. Todo ello evidencia el declive del orden social lógico, es decir, aquel que se rige por los principios de la Razón. La experiencia sensorial de aquellos movimientos sociales destrona a la Razón y hace reina a la pasión. Debían conocer el “yo” de un hombre de naturaleza compleja y contradictoria. Romanticismo es; el descubrimiento del valor y la dimensión del sentimiento. Por tanto debemos alejarnos de la concepción tópica de lo que entendemos por romanticismo. Estos son los representantes elegidos.

PRERROMANTICISMO

Siento, luego existo.
Bañistas por Fragonard; ¿1677?
Óleo sobre lienzo: 0,65 – 0,81 m.
París, Louvre.

Entorno a la década de 1770, Rousseau, sensibilizando a la razón francesa, escribe después de escuchar el ir y venir de las olas; “Me di cuenta de que nuestra existencia no es más que una sucesión de momentos percibidos por los sentidos”. En ese mismo momento el <pienso, luego existo> cartesiano sería sustituido por el <siento, luego existo>.


INGLATERRA
La naturaleza grita.
El gran día de su furia por Martin; 1851.
Óleo sobre lienzo; 0,97 – 3,03 m.
Londres, Galería Tate.

Destacan dos paisajistas por encima del resto, Constable y Turner. Estamos ante un nuevo vehículo de expresión de emociones con nuevos registros. La naturaleza grita y brama de una forma sublime. ¿Por qué elijo una obra de Martín? 
Primero por ser un pintor interesante y nexo de unión con los prerrománticos y segundo ¿no  reconocéis la escenografía de muchas de las películas de Hollywood?

LOS PRERRAFAELISTAS

Pura y poética gracia.

Ofelia por Millais, 1851-1852.
Óleo sobre lienzo; 0,762 – 1,12 m.
Londres, Galería Tate.


Ruskin, el gran apologista de la obra de Turner, dijo de esta obra que era “el más hermoso paisaje inglés asolado por el dolor“. Es un punto bastante interesante, la naturaleza meticulosamente dibujada expresa el estado semiinsconciente de la enamorada de Hamlet (Obra de Shakespeare). Igualmente debemos destacar el papel fundamental de la modelo; Elizabeth Siddal cuyo magnetismo sería retratado por muchos de los maestros prerrafaelistas. 

ALEMANIA

 Entre Dios y el Hombre: la pintura.


 Viajero junto a un mar de niebla por Friedrich; 1818.
Óleo sobre lienzo; 0,984 – 0,748 m-
Hamburgo, Galería de Arte.

Los paisajes que antes irradiaban pura emoción, ahora, justo con Friedrich proyectan razón. Este artista y otros coetáneos como el poeta alemán Kosegarten, asignan a la creación artística el papel intermediario entre Dios y el Hombre. Para todos aquellos que piensan que la sensibilidad es sinónimo de debilidad, ¡mira un poco más! es el hambre de conocimientos y de emociones. Y desde luego también debemos aceptar la soledad como parte ligada a nosotros mismos: “Tengo que estar solo y saber que estoy solo para poder contemplar y sentir plenamente la Naturaleza” Friedrich.




Edición especial.




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OBRA CON DESTINO A ALEMANIA – DEUTSCHLAND – GERMANY – GERMANIA

HOY ES REALIDAD LO QUE AYER FUE SUEÑO

ICH MALE
(DIBUJO)
PSIQUE por María José Gordillo, 2015.
Acrílico sobre tela.
Frankfurt, Hesse, Alemania.
Bajo un cielo gris casi siempre encapotado se encuentra Frankfurt am Main. Podía imaginar las formas desdibujadas de los edificios, las luces derretidas de los semáforos y a sus habitantes en continuo movimiento. La perla del comercio en Alemania, brillante y etérea. La visualizo como un enorme lienzo en tonos grises con manchas de colores fuertes arañando la superficie. Entre las dos capas ¡justo ahí la puedo ver! 
Mi mapa del mundo repentinamente se había ampliado cuando supe que una de mis obras tenía como destino Frankfurt. “Psique” levita estática, con ojos cerrados ve todo aquello que se intuye. De mi caballete salió aquella obra que me mantuvo abstraída durante muchas horas. Si el alma tiene cuerdas ese día me sorteé muchas de ellas. Intentaba que ninguna sonara.


FRANKFURT, Hesse, Alemania.
Esta es la prueba de que verdaderamente el ARTE está vivo y reacciona con las personas.
En cualquier parte del mundo sin importar los tiempos. Constituye una señal más del compromiso de
IL CARMINIO.



“Al visitante ocasional los rascacielos de Frankfurt le deben parecer impresionantes. En cualquier caso, amplian la impresión que tiene el visitante de la ciudad. Si hace sol sus fachadas de cristal reflejan la luz e inundan las calles de luminosidad. Si hay un cielo nublado absorben la luz y proyectan sombra. En la noche tienen una iluminación bonita que hace que incluso edificios feos parezcan lindos.
De manera similar a los rascacielos, los habitantes son ambiguos. La mayoría trabajan para bancos y pasan todo el día dentro del edificio. Las pocas veces que salen hacia fuera están mirando sus móviles sin interrupción. Con eso y con sus trajes elegantes pretenden dar la impresión de importantes. Pero en realidad se esconden detrás de sus pantallas y de su ropa porque por culpa de todo el trabajo han olvidado como comunicarse entre ellos. Desde enero soy uno de estos habitantes deplorables también. Tengo miedo de transformarme irremediablemente en uno de ellos. Cuando vuelvo a casa después de días largos a veces mi humor está gris como el cielo sobre Frankfurt. Entonces veo a “Psique” en mi salón. Ella me trae a la memoria unos días fantásticos y felices en Sevilla. Me recuerda al sol, al vino de naranjas y a las calles llenas de gente. Lo más importante que me recuerda es que solamente si salgo a la calle y bajo mi guardia puedo encontrar a personas maravillosas.”

Mark H.

Así lo ve, gracias de corazón.
Cuando mostré mis obras pude ver con claridad que sus pupilas se habían detenido en ella. Firmé la obra con las manos congeladas. Procedemos de cielos tan distintos y aún así se marchaba con ella. A través del Arte se conocen, de la manera más espontánea, a muchas personas. Y este encuentro ha hecho que después de vender esta obra, una puerta desconocida se abriera delante de mí. Merece la pena ver que hay al otro lado. ¡Vamos a probar, después de Milán!
Hoy es realidad lo que ayer fue sueño, y para recordarlo siempre tengo mi cuaderno de bocetos. Repaso las primeras ideas para diseñar este Blog, los primeros trabajos, las anotaciones, los borrones y los esbozos. 


Con el paso de las semanas supe que no solo había tenido una experiencia extraordinaria sino una oportunidad de crecer. Explorar y aprovechar esta posibilidad. Y desde luego compartirla con todos vosotros.

Hemos hecho exposiciones, estado en la Radio (Cadena Ser Morón), viajaremos el próximo marzo a Milán y más pronto que tarde, también en Alemania. Con trabajo y esfuerzo todo se consigue.

¡A todos Gracias!

IL CARMINIO




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AVANCE: ESPECIAL FEBRERO, LOS OTROS BESOS DEL ARTE.

Golpe entre personas que se produce al tropezar unas con otras; BESOS. De todo tipo que despiertan emociones distintas y reacciones dispares en el mundo artístico. Con la llegada del mes de febrero decidimos repasar algunas de las obras que versaron sobre ” il bacio”. En contra de lo que podemos estar pensando, el beso no siempre marca el final de la historia, sino el principio. Ejemplo de ello el famoso beso en la ópera Parsifal. Wagner nos narra la historia de un joven que visiona su misión para salvar el cáliz a través de uno, que sellará para siempre su futuro. Otros simbolizarían la traición para la eternidad, en efecto; el beso de Judas. El anhelo de un beso tiene raíces tan profundas en el ser humano que podemos encontrar muchas obras con esta temática. Hay tantos tipos de besos como personas y tantas obras como virtuosos del Arte. ¡experimentemos las diversas emociones que conjugan todos ellos desde cualquier lugar del mundo!

CELOS
EMOCIONES ADVERSAS

Alegoría con Venus y Cupido, por Bronzino (Agnolo di Cosino), 1550.
óleo sobre tabla, 146 – 116 cm.
National Gallery, Londres.
Venus diosa del amor que guarda y custodia los besos. Así era retratada la escena mitológica entre ella y su hijo Cupido. Éste acaricia el pecho de su madre mientras que ella se tuerce para besarlo. El Tiempo, esa figura barbuda del fondo, frunce el ceño e intenta cubrir la escena con un velo color azul. En la mayoría de romances célebres aparecen los celos que se alimentan del clima de inseguridad  y en ocasiones de la ingenuidad. Se encuentran representados por la anciana que se retuerce al fondo en la oscuridad. ¡Aún hay más! Encima de la anciana una figura enmascarada y desconcertante contempla la actitud del Tiempo. Mientras que en la parte inferior de la obra una niña que desafía el aspecto humano de las demás figuras sostiene un panal en una de sus manos mientras que en la otra agarra un aguijón. Claramente tenemos todos los ingredientes para construir una alegoría. Pero ¿Qué quieren decir todos estos elementos juntos? Nadie puede saber ciertamente qué sentido último tiene la composición. Quizás una invitación a extraer nuestras propias conclusiones. 


UNIÓN
IDEA ANCESTRAL

El beso por Constantin Brancusi, 1907.
Piedra,  0,28 m.
Museo de Arte, Craiova.

Brancusi reduce sus figuras a lo más básico, aportándoles energía y firmeza. ¿No es esto mismo lo que infunde un beso? La fuerza de la piedra se une al carácter elemental del acabado. Los cuerpos se funden en un abrazo, los labios se confunden en un tierno beso.  Incluso los ojos, sin poder determinar si abiertos o cerrados, forman uno. ¿Acaso estos amantes comparten la misma visión? Unión simple, unión libre, unión fuerte.

DESASOSIEGO
Y TAMBIÉN DESEO

Los Amantes por René Magritte, 1928.
óleo sobre lienzo.
Colección particular.

Los tonos fríos y la luz que degrada el color son clave para profundizar en la obra. Debemos ubicar a Magritte en el Surrealismo y estar preparados para escena. Y es que a veces desconocemos lo que amamos (o besamos), simplemente no podemos reprimir esa fuente de inagotable energía que es el deseo. Impulso natural y casi animal de los besos.

Pero en la literatura también tenemos ejemplos. Todos conocemos el célebre cuento de La Sirenita de Hans Christian Andersen. De esta obra original Antonín Leopold Dvořák hace una adaptación y la convierte en ópera. Rusalka, la protagonista, abandona un mundo en el que no se siente completa para ir al de los humanos. Allí sin voz tampoco logra conquistar el corazón del hombre que ama. Al final del último acto, antes de convertirse en espuma de mar se encuentran. Ella debe evitar con todas sus fuerzas arrastrarlo a ese mismo desenlace. No puede evitarlo y lo besa. De manera que ambos son condenados a permanecer trescientos años sin alma. Falta que deben suplir con buenas acciones. Es el precio de ese beso.

Esto es un adelanto, en el mes que está apunto de comenzar habrá más. Un tema que de manera generalizada conduce a nuestras mentes a imágenes de amor romántico, a veces tiene un campo de interpretación mucho más amplio. Y hemos de reconocer que es divertido entrar en una obra y salir de ella comprendiendo que sus figuras esconden secretos.

¡Habrá más sorpresas!

IL CARMINIO



Source: Original

CONFERENCIAS SOBRE ARTE: JAPÓN, MÉXICO Y SEVILLA

Indianos portadores de tesoros 
made in Japan and Mexico.


Domingo por la mañana, mesa del fondo, tostadas con mantequilla y mermelada de fresa, café solo y cuaderno de notas… Cuando quise darme cuenta ya llegaba tarde a la Conferencia que versaba sobre el análisis de una obra perteneciente al Museo de Bellas Artes de Sevilla; La Guadalupe. Crucé la plaza iluminada por el sol de media mañana, sorteando a la gente que paseaba entre los artistas que exponen allí sus obras. Entré rápidamente tras recoger la entrada y subí las escaleras haciendo caso omiso al cartel “salida” abrí la puerta y pasé. La reunión tenía lugar en la misma sala donde se exponen las obras de Gonzalo Bilbao y Joaquín Sorolla. La gente estaba agolpada en ella, escuchando y a ratos murmurando. Lo que sería un comentario sobre un cuadro religioso acabó siendo un paseo maravilloso por Japón, Manilla y  México hasta llegar a Sevilla. 

Punto de partida

El papel fundamental del puerto sevillano


En Sevilla se conservan retratos de la Virgen de Guadalupe desde 1670, el total asciende a 200 obras similares que han podido ser inventariadas (labor indispensable para ubicar y conservar el patrimonio artístico). Por esas fechas ya se habían difundido los milagros de la Madonna. Como salvar a la población mejicana de morir asolada por una epidemia o proteger a los marineros en sus largas travesías en la mar. Por ello en los barcos y navíos se portaban retratos de la misma para salvaguardar sus vidas del arbitrio y capricho del Océano. ¿Y qué tienen de especial estas obras? Que son pura fusión. Se trata de una mezcla de los patrones europeos con iconografía mariana y los caracteres propios de las deidades en Sudamérica. A esto último habría que sumar  rasgos indígenas como tez morena y cabello negro, así como las ropas. Sin olvidar el paisaje y los motivos florales que contribuyen a que sean obras de una gran belleza exótica. Por todo ello muy pocas casas sevillanas no contaban en su mobiliario con una de ellas. 

Durante la Conferencia del Profesor D. Francisco Montes González, Profesor Ayudante, Doctor e investigador pos-doctoral del Departamento de Historia del Arte de la Universidad de Granada.
Organización; Amigos del Museo de Bellas Artes, Sevilla.
En un primer momento la producción corría a cargo de los maestros sudamericanos (indianos) y más tarde a los grandes de la Escuela Hispánico- mejicana de Pintura, que presentaban a una figura inserta en un ojo apocalíptico. Distinción fundamental con la tan venerada imagen de La Inmaculada. Pensemos en este punto en las ejecutadas por Murillo.

Zarpamos rumbo a Japón



Detalle extraído de la 

exposición del Museo

de Navarra. El Arte japonés

se caracteriza por su sencillez
y naturalidad, así como por
el uso de símbolos.
Enlace arriba en Narbán.

Lo más interesante de toda la presentación es la TÉCNICA, la cual nos llevará en primer lugar a Japón. A finales del siglo XVI y principios del XVII se empiezan a realizar una serie de piezas con la conocida técnica NANBÁN. Os adjuntamos la noticia de una exposición en el Museo de Navarra donde se exhibieron catorce piezas de ese período. La traducción del término es “Bárbaro del Sur” en clara alusión a los portugueses, españoles y holandeses que acudían hasta ese punto del planeta. <<Laca y madera donde se incrustaban trozos de nácar que por lo general se empleaban para ornamentar parte del ajuar doméstico>>. Por la rareza y lo inusual de estas piezas los residentes allí empiezan a realizar encargos. Per esempio  muchos retablos portátiles de pequeñas dimensiones destinados a decorar generalmente templos. Otras tantas serían enviadas a España con idéntico uso. ¿Pero cuáles son los nexos entre Japón y la Península Ibérica? 


Meses de travesía

Desde Japón, Acapulco (México), Manilla, Puerto de la Cruz en el Caribe…


Los maestros mejicanos tomaron contacto con estas obras que tenían por aquel entonces una amplia demanda. Entonces decidieron adoptar esa misma técnica adaptándola a sus formas de producción. A finales de siglo XVII surge un nuevo género artístico mixto en los talleres mejicanos. Hubo un taller que destacó por encima del resto, el de los hermanos Miguel y Juan González. 
El método era complejo, requiere de habilidad y destreza. Consiste en: un soporte de tablas unidas, cubierta por lienzo como base del dibujo. Posteriormente se preparan las zonas donde se embute la concha con resina animal, ya que no todo es concha. Finalmente se aplica policromía añadiendo para su culminación barniz y  polvo de oro.

Arte del Nuevo Mundo


La Virgen de Guadalupe por Miguel González, 1697.
Nácar, tabla y pintura al óleo.
Museo de las Américas, Madrid.
En total en todo el mundo existen 250 piezas de naturaleza enconchada. De las cuales 80 están en el Museo de Las Américas de Madrid
Estas obras son de un importantísimo valor artístico, histórico y social. Hablan de la interacción de tres culturas bien distintas entre sí. De la suma emergen composiciones únicas, ricas en matices y llenas de exotismo. Virreyes y monarcas regalaron a sus familiares suntuosas tablas embutidas “madre perla” que es el nombre que recibirían en España. Representaban escenas bíblicas pero también bélicas. Antonio Ponz (1782) en su “Viaje por España” destacaba en el Palacio del Duque del Infantado (Madrid) “un gabinete lleno de cuadros medianos embutidos en madre perla que narran las guerras con Flandes por Alejandro Farnes y las de México por Hernán Cortés.”


Al final de la conferencia visité las restantes salas del Museo. Hasta llegar a la gran capilla ricamente adornada de este antiguo convento. Allí cual fue mi sorpresa ¡unos niños dibujaban en el suelo!
Elevando sus caras observaban las obras en el espacio, con sus ojos curiosos captaban el motivo de su dibujo y se centraban en terminar el trazo. Fue algo maravilloso y una oportunidad perfecta para poner de manifiesto que grandes y pequeños pueden disfrutar de estos espacios llenos de ARTE e HISTORIA.


IL CARMINIO


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